Eine Lange Nacht von der Geschichte des Sonetts
"Du hast als Denkmal dann mein zart Gedicht"

Es wanderte in alle Literatursprachen Europas bis nach Georgien und China. Manchmal geriet es in Mode und erregte den Unmut zum Beispiel Goethes, dessen berühmte Zeile "In der Beschränkung zeigt sich erst der Meister" allerdings nicht nur selbst aus einem Sonett stammt, sondern auch einen wesentlichen Zug dieser Gattung zusammenfasst: die Beschränkung auf 14 Zeilen in einer vorgegebenen Anordnung.

Dabei hat das Sonett inhaltlich eine große Vielfalt erreicht: War es bei Francesco Petrarca noch vorwiegend Liebeslyrik, so kommt bei William Shakespeare die Reflexion über das eigene Schreiben hinzu. Charles Baudelaire erkundet im Sonett die Blumen des Bösen und des Häßlichen. Rainer Maria Rilke benutzt das Sonett für Beobachtungen an Alltagsgegenständen.

Dies sind nur ein paar Stationen auf einer kleinen Reise durch die Geschichte des Sonetts, von seinem ersten bedeutenden Repräsentanten Petrarca bis in die unmittelbare Gegenwart über zwei Kontinente hinweg in sieben verschiedenen Sprachen. Das Wort Sonett kommt vom italienischen ,sonare' (klingen), und es bot in allen Sprachen seinen Dichtern immer wieder eine Möglichkeit auszuprobieren, wie die eigene Sprache klingt.

Diese Frage kann man entweder in ein paar Sätzen zusammenfassen oder man kann lange Abhandlungen darüber schreiben. Denn im Laufe der Jahrhunderte haben sich zahllose Typen von Sonetten ergeben, die teils auf den Besonderheiten der einzelnen Sprachen basieren, teils Erfindungen einzelner Dichter waren, die zusätzliche Regeln anwandten. Kurz gesagt, gibt es jedoch für das Sonett drei Grundregeln:

Diese vierzehn Zeilen werden auf eine bestimmte Art eingeteilt, nämlich in vier Strophen, von denen die ersten beiden je vier Zeilen haben — deshalb nennt man sie auch Quartette —, während die letzten beiden Strophen je drei Zeilen umfassen — das sind die Terzette.

Die zweite Regel betrifft die Reime. Im ersten Quartett müssen sich je zwei Zeilen reimen, und im zweiten Quartett müssen dieselben Reime aus dem ersten an derselben Stelle wiederkehren. Wenn das Reimschema in der ersten Strophe zum Beispiel a-b-b-a lautet, muß die zweite Strophe auch a-b-b-a reimen. In den sechs verbleibenden Zeilen verwendet man drei andere Reime, für die aber keine bestimmte Anordnung vorgeschrieben ist.

Drittens sollen alle Zeilen gleich lang sein beziehungsweise dasselbe Versmaß haben. Diese Regel wird in den verschiedenen Sprachen unterschiedlich gehandhabt, denn in manchen Sprachen ist traditionellerweise die genaue Anzahl der Silben in einer Zeile wichtiger als ein genau eingehaltenes Versmaß, in anderen Sprachen ist es umgekehrt.

Die Tatsache, daß die ersten beiden Strophen eines Sonetts vier Zeilen haben, die letzten beiden Strophen aber drei, bewirkt eine gewisse Dynamik im Formverlauf, die bereits sehr früh in der Geschichte des Sonetts dazu geführt hat, daß zwischen der zweiten und der dritten Strophe eine inhaltliche Zäsur gesetzt wird.

Auch Komponisten haben sich schon früh vom Sonett angezogen gefühlt, dazu gehören Claude Debussy, Alexander Skrjabin,Pierre Boulez und Arnold Schönberg. Franz Liszt z.B. vertonte Sonette von Petrarca, dem mit die ersten Sonette zugeschrieben werden.

Petrarca wurde 1304 im mittelitalienischen Arezzo geboren und war mithin gleich alt wie Giovanni Boccaccio und etwa fünfzig Jahre jünger als Dante. Alle drei sind gewissermaßen die Säulenheiligen, die "tre corone", die "drei Kronen" der italienischen Literatur. Denn alle drei standen ziemlich am Anfang der Literatur in italienischer Sprache und schufen, jeder auf seinem Gebiet, eine Sprache, die so reichhaltig und nuanciert war, daß das Italienische fortan als 'richtige‘ Literatursprache galt, die neben dem Latein bestehen konnte: Neben Dantes Verserzählung Comedia, der von Boccaccio der Beiname Divina gegeben wurde, also neben der "Göttlichen Komödie" stehen der Novellenzyklus ´Decamerone`- "Das Dekameron" von Boccaccio und eben die 366 Gedichte von Petrarcas Canzoniere, der "Liedersammlung" oder "Gedichtsammlung".

Petrarca schrieb daran fast sein ganzes Leben lang und überarbeitete den Canzoniere mehrere Male; gedruckt wurde dieser übrigens erst ein knappes Jahrhundert nach seinem Tode, nämlich 1470. Der überwiegende Teil von Petrarcas literarischer Produktion ist in lateinischer Sprache verfaßt, und er selbst gab dem erst im 19. Jahrhundert so genannten Canzoniere auch einen lateinischen Titel: Rerum vulgarium fragmenta, "Bruchstücke von gewöhnlichen Dingen", wobei "gewöhnliche Dinge‘ hier als 'gemeinsprachliche Dinge‘ zu verstehen sind, als Dinge, die in der Volkssprache aufgezeichnet sind, also in der italienischen Sprache, die man damals ’volgare‘ nannte.

Das große (wenn auch nicht das einzige) Thema des Canzoniere ist die Liebe, genauer gesagt, jene unerfüllte Liebe eines Mannes zu einer Frau, die wir aus der provenzalischen Lyrik der spätmittelalterlichen Trobadors kennen, an die Petrarca ebenso anknüpft, wie es vor ihm schon die deutschen Minnesänger taten.

Mentre che ‘l cor dagli amorosi vermi

fu consumato, e ‘n fiamma amorosa arse,

di vaga fera le vestigia sparse

cercai per poggi solitarii et hermi;

et ebbi ardir cantando di dolermi

d’Amor, di lei che sí dura m’apparse:

ma l’ingegno et le rime erano scarse

in quella etate ai pensier’ novi e ‘nfermi.

Quel foco è morto, e ‘l copre un picciol marmo:

che se col tempo fossi ito avanzando

(come già in altri) infino a la vecchiezza,

di rime armato, ond’oggi mi disarmo,

con stil canuto avrei fatto parlando

romper le pietre, et pianger di dolcezza.

Geraldine Gabor und Ernst-Jürgen Dreyer haben in ihrer Gesamtübersetzung des Canzoniere, die 1989 erschien, versucht, Versmaß und Reimstruktur des Originals soweit wie möglich beizubehalten:

Solang die Flamme brannte und das Nagen

Der Liebeswürmer mir das Herz verzehrte

sucht ich ein holdes Wild auf karger Fährte

Auf einsam öden Höhen zu erjagen

Und war so kühn, mich singend zu beklagen

Amors und jener, die mich nicht erhörte;

Doch war Talent und Reim von mindem Werte

Und jung und krank der Sinn in jenen Tagen.

Der Brand ist tot; es deckt ihn Marmor-Schwere

Hätt, wie in andern, bis zum Abendscheine

Er wachsen dürfen und sich fort-entfachen –

Mit Reim bewaffnet, den ich heut entbehre

Ergrauten Stils dann redend hätt ich Steine

Zerspringen und vor Süße weinen machen.

Neben Petrarcas Sonetten gehören sicher die Sonette von Shakespeare noch zu den bekanntesten und in ihrer Wirkungsgeschichte zu den einflußreichsten. Es sind 154 Sonette, die 1609 im Druck erschienen, zu einem Zeitpunkt, da Shakespeare nach über 25 Jahren als Schauspieler, Stückeschreiber und Intendant in London bereits ein kleines Vermögen gemacht hatte und sich allmählich in seinem Geburtsort Stratford-upon-Avon in der Nähe von Birmingham zur Ruhe setzte. Das Sonett war um die Mitte des 16. Jahrhunderts in England bekannt geworden und führte in kürzester Zeit zu einer wahren Flut von Sonettsammlungen, von denen diejenige Shakespeares die umfangreichste darstellt. Sie ist bis heute die bekannteste des Elisabethanischen Zeitalters geblieben, und so wird auch häufig die eigentümliche englische Variante des Sonetts mit Shakespeare assoziiert, obgleich er sie nicht erfunden hat.

Das englische Sonett, das auch nach Nordamerika auswanderte und noch bei Edgar Allan Poe und sogar einem so experimentierfreudigen Dichter des 20. Jahrhunderts wie Edward Estlin Cummings zu finden ist, hat zwar auch 14 Zeilen, aber es ist anders gegliedert als das italienische. Es hat drei Quartette und einen Zweizeiler am Schluß. Die Quartette haben jeweils zwei Reimpaare wie im italienischen Sonett, aber anders als dort sind die Reimpaare in jedem Quartett verschieden. Es wird also vom Dichter nicht erwartet, daß er drei vierzeilige Strophen lang seine einmal gewählten Reime durchhält, dafür aber müssen sich die beiden Schlußverse reimen, und diese Regel hat nun dazu geführt, daß diese Schlußverse wie ein Epigramm eine besondere Konzentration der Aussage erfordern, gleichsam eine Schlußpointe, die bei Shakespeare oft mit machtvoller Eleganz daherkommt.

That time of year thou mayst in me behold

When yellow leaves, or none, or few, do hang

Upon those boughs which shake against the cold,

Bare ruin’d choirs where late ihe sweet birds sang.

In me thou see’st the twilight of such day

As after sunset fadeth in ihe west,

Which by and by black night doth take away,

Death’s second self, that seals up all in rest.

In me thou see'st the glowing of such fire

That on the ashes of his youth doth lie,

As the death-bed whereon it must expire,

Consum’d with that which it was nourish’d by:

This thou perceiv’st which makes thy love more strong,

To love that well which thou must leave ere long.

(Sonett Nummer 73; deutsche Fassung: Stefan George)

Die zeit des jahres magst du in mir sehn

Wo gelbe blätter - keine - wenige hangen

Auf diesen ästen die im wind sich drehn -

Chor-trümmer kahl wo einst die vögel sangen.

In mir siehst du zwielicht von solchem tag

Der nach der sonne weggang bleicht im west -

Das schwarze nacht gar bald entführen mag.

Zwilling des tods umhüllt sie alles fest.

In mir siehst du das brennen solcher glut

Die auf den aschen ihrer jugend schwebt

Wie auf dem totenbett wo sie bald ruht —

Durch das verzehrt wovon sie einst gelebt.

Dein lieben wächst - wirst du dir dess bewusst -

Und du liebst wohl das du bald lassen musst.

Das Sonett scheint durch die Strenge seiner Regeln zur Selbstreflektion anzuregen. Im besten Falle entstehen so Beiträge zu einer Poetik des Schreibens, die selber poetisch sind:

Or I shall live your epitaph to make,

Or you survive when I in earth am rotten;

From hence your memory death cannot take,

Although in me each part will be forgotten.

Your name from hence immortal life shall have,

Though I, once gone, to all the world must die;

The earth can yield me but a common grave,

When you entombed in men’s eyes shall lie.

Your monument shall be my gentle verse,

Which eyes not yet created shall o’er-read;

And tongues to be your being shall rehearse,

When all the breathers of this world are dead.

You still shall live, such virtue hath my pen,

Where breath most breathes, even in the mouths of men.

Ob ich einst deine grabschrift machen werde –

Ob du fortlebst - lieg ich in staub zerfressen:

Kein tod raubt deinen namen vonder erde –

Ist auch von mir ein jeder teil vergessen.

Wenn dann dein nam unsterblich lebt: so hab

ich - einmal tot - niemand der mein gedenkt.

Mir gibt die erde nur ein alltagsgrab -

Du lebst in aller menschen blick gesenkt.

Du hast als denkmal dann mein zart gedicht

Das heut noch unerschaffne augen lesen.

In spätren zungen dann dein wesen spricht

Wenn alle haucher dieser zeit verwesen.

Dann lebst du noch — mein wirken ist der grund -

Wo hauch am meisten haucht: in menschenmund.

Zu Shakespeares Lebzeiten war das Sonett bereits ins Französische und Spanische gekommen, und Namen wie Pierre de Ronsard oder Lope de Vega seien hier als gewichtige Vertreter der Gattung in ihren Sprachen wenigstens erwähnt. Und noch ein kurzer Blick auf die deutsche Barockliteratur mit zweien der bis heute bekanntesten Sonette aus jener Zeit; von zwei Dichtern, die beide umfangreiche Sonettsammlungen veröffentlicht haben: Andreas Gryphius und Paul Fleming.

Du sihst / wohin du sihst nur eitelkeit auff erden.

Wasdieser heute bawt/ reist jener morgen ein:

Wo itzund städte stehn / wird eine wiesen sein

Auff der ein schäffers kind wird spilen mitt den heerden.

Was itzund prächtig blüht sol bald zertretten werden.

Was itzt so pocht vndt trotzt ist morgen asch vnd bein.

Nichts ist das ewig sey / kein ertz kein marmorstein.

Itz lacht das gluck vns an / bald donnern die beschwerden.

Der hohen thaten ruhm mus wie ein traum vergehn.

Soll den das spiell der zeitt / der leichte mensch bestehn.

Ach! Was ist alles dis was wir für köstlich achten/

Als schlechte nichtikeitt / als schaten staub vnd windt.

Als eine wiesen bium / die man nicht wiederfindt.

Noch wil was ewig ist kein einig mensch betrachten.

Sey dennoch unverzagt. Gieb dennoch unverlohren.

Weich keinem Glücke nicht. Steh’ höher als der Neid.

Vergnüge dich an dir / und acht es für kein Leid /

hat sich gleich wieder dich Glück’ / Ort / und Zeit verschworen.

Was dich betrübt und labt / halt alles für erkohren.

Nim dein Verhängnüß an. Laß’ alles unbereut.

Thu / was gethan muß seyn / und eh man dirs gebeut.

Was du noch hoffen kannst/ das wird noch stets gebohren.

Was klagt / was lobt man doch? Sein Unglück und sein Glücke

ist ihm ein ieder selbst. Schau alle Sachen an.

Diß alles ist in dir / laß deinen eitlen Wahn /

und eh du förder gehst / so geh’ in dich zu rücke.

Wer sein selbst Meister ist / und sich beherrschen kann/

dem ist die weite Welt und alles unterthan.

Mit Charles Baudelaire kamen ein neuer Tonfall und neue Themen ins Sonett. Fast alle Gedichte, die er geschrieben hat, sind in der Sammlung Les fleurs du mal enthalten: Der Titel wird meist mit ´Die Blumen des Bösen` übersetzt, man könnte auch ´Die Blumen des Schlechten` oder ´Die Blumen des Übels` sagen. Mit diesem Buch wurde er berühmt, für die einen als Erneuerer der französischen Dichtung, später als (Mit)begründer der literarischen Moderne, für die anderen war Baudelaire – in seiner Zeit – ein Provokateur, der die Grenzen des guten Geschmacks verletzte. Nur drei Wochen nach Erscheinen der Fleurs du mal 1857 wurde das Buch verboten. Baudelaire hatte als erster gezeigt, dass es möglich war, in der Lyrik nicht nur das Schöne, Wahre, Gute, sondern auch das Hässliche und das Böse dazustellen – und zwar nicht etwa als etwas Verabscheuungswürdiges oder etwas, das Leiden oder Trauer auslöst. Es gibt in den ´Blumen des Bösen` mehrmals Anrufungen und Lobpreisungen des Teufels, Baudelaire preist den Rausch im Alkohol und im Opium, und auch die Darstellungen einiger Liebesnächte waren für die damalige Zeit entschieden zu freizügig.

Nous aurons des lits pleins d'odeurs légères,

Des divans profonds comme des tombeaux,

Et d'étranges fleurs sur des étagères,

Ecloses pour nous sous des cieux plus beaux.

Usant à l'envi leurs chaleurs dernières,

Nos deux coeurs seront deux vastes flambeaux,

Qui réfléchiront leurs doubles lumières

Dans nos deux esprits, ces miroirs jumeaux.

Un soir fait de rose et de bleu mystique,

Nous échangerons un éclair unique,

Comme un long sanglot, tout chargé d'adieux;

Et plus tard un Ange, entr'ouvrant les portes,

Viendra ranimer, fidèle et joyeux,

Les miroirs ternis et les flammes mortes.

Deutsche Fassung:

Wir haben betten voller leichter düfte ·

Wir haben polster wie die gräber tief

Und seltne blumen ragen in die lüfte

Die schönres land für uns ins dasein rief.

Die lezte glut verbrennt auf gutes glück

In unsrer herzen beiden flammentiegeln

Ihr zwiefach leuchten aber strahlt zurück

In unsren geistern · diesen zwillingsspiegeln.

Ein abend kommt mit blau und rosa blinken ·

Da flackert es noch einmal lichterloh:

Ein langer seufzer und ein scheidewinken.

Hernach erscheint ein engel auf der schwelle

Um wieder zu beleben treu und froh

Die trüben spiegel und die tote helle.

Wiederum neue Themen fügte Rainer Maria Rilke den Sonetten hinzu – Alltagssprache und alltägliche Dinge werden fast wie in einem Stilleben verwendet:

So wie das letzte Grün in Farbentiegeln

sind diese Blätter, trocken, stumpf und rauh,

hinter den Blütendolden, die ein Blau

nicht auf sich tragen, nur von ferne spiegeln.

Sie spiegeln es verweint und ungenau,

als wollten sie es wiederum verlieren,

und wie in alten blauen Briefpapieren

ist Gelb in ihnen, Violett und Grau;

Verwaschenes wie an einer Kinderschürze,

Nichtmehrgetragenes, dem nichts mehr geschieht:

wie fühlt man eines kleinen Lebens Kürze.

Doch plötzlich scheint das Blau sich zu verneuen

in einer von den Dolden, und man sieht

ein rührend Blaues sich vor Grünem freuen.

Wie viele Gedichtgattungen ist auch das Sonett im 20. Jahrhundert von der Vorherrschaft der freien Verse extrem zurückgedrängt worden. Viele Dichter, die sich als modern oder avantgardistisch empfanden, verschmähten den Reim als ein veraltetes Mittel der Formbildung oder konnten sich bestensfalls noch zu einem ironischen Umgang mit ihm verstehen (wobei man nicht vergessen darf, dass solche Grabenkämpfe, wie sie auch in anderen Künsten üblich waren, also Reim gegen Nicht-Reim, figürliche Malerei gegen abstrakte, tonale Musik gegen atonale, auch ideologisch motiviert waren: Ungereimte Gedichte in freien Versen, abstrakte Malerei, atonale Musik galten im nationalsozialistischen Deutschland und ideologisch verwandten Diktaturen als "entartet". Wie jeder weiß, hatte dies leider nicht zur Folge, dass solche Kunst im Sozialismus grundsätzlich besser aufgehoben gewesen wäre.) Der DDR-eigene Konservativismus und Klassizismus, der die rege Sonettproduktion etwa von Johannes R. Becher und Stephan Hermlin umhüllte, prägte auch Heiner Müller. In seinen Gedichten finden wir ebenso wie in seinen Theaterstücken die formzertrümmernde Sprache neben der virtuosen Beherrschung des fünfhebigen Jambus, sei es als (ungereimter) Blankvers, sei es gereimt wie im folgenden Sonett, das am 9. Januar 1995 der der Frankfurter Allgemeinen Zeitung erschien:

Heut nacht durchschritt ich einen Wald im Traum

Er war voll Grauen Nach dem Alphabet

Mit leeren Augen die kein Blick versteht

Standen die Tiere zwischen Baum und Baum

Vom Frost in Stein gehaun Aus dem Spalier

Der Fichten mir entgegen durch den Schnee

Trat klirrend träum ich seh ich was ich seh

Ein Kind in Rüstung Harnisch und Visier

Im Arm die Lanze Deren Spitze blinkt

Im Fichtendunkel das die Sonne trinkt

Die letzte Tagesspur ein goldener Strich

Hinter dem Traumwald der zum Sterben winkt

Und in dem Lidschlag zwischen Stoß und Stich

Sah mein Gesicht mich an: das Kind war ich.

Vor meiner Schreibmaschine dein Gesicht

Dein Auge das mich fragt Was willst du sagen

Gegen die Weh Wie kannst du sie ertragen

Was willst du tun daß sie zusammenbricht

Ich sitze krumm an meiner Schreibmaschine

Es geht auf Mitternacht und nebenan

Schläft unsre Tochter Braucht sie was ich kann

Oder ist es ihr Tod den ich bediene

Dein Auge hält mich Fest in deinem Blick

Hör ich mich sagen daß mein Leben lohnt

Auf dieser Welt nicht nur von uns bewohnt

Mit deinen Augen sieht mein Kind mich an

Wie lange bleibt es von der Weh verschont

Wenn ich die Frau bin und du bist kein Mann

Wenn einer Dichtung droht Zusammenbruch

und sich die Bilder nicht mehr ordnen lassen,

wenn immer wieder fehlschlägt der Versuch,

sich selbst in eine feste Form zu fassen,

Wenn vor dem Übermaße des Geschauten

der Blick sich ins Unendliche verliert,

und wenn in Schreien und in Sterbenslauten

die Welt sich wandelt und sich umgebiert –

wenn Form nur ist: damit sie sich zersprenge

und Ungestalt wird, wenn die Totenwacht

die Dichtung hält am eigenen Totenbett –

alsdann erscheint, in seiner schweren Strenge

und wie das Sinnbild einer Ordnungsmacht,

als Rettung vor dem Chaos – das Sonett.

(Wdh. v. 3./4.6.2006)